La naturaleza muerta es uno de los temas más difundidos, más clásicos y más conocidos del arte. Es un género que atravesó un largo camino formativo para volverse autónomo y equipararse a las composiciones históricas. Viendo la naturaleza muerta desde los inicios del arte occidental hasta nuestros días, podemos seguir el desarrollo de la cultura, la filosofía y el pensamiento humano a través de los siglos..
En la antigüedad, la naturaleza muerta se extendió ampliamente entre la capa más rica de la sociedad que podía permitirse pinturas murales. Algunos ejemplos del tema se encontraron en tumbas egipcias, pero se pueden ver ejemplos más hermosos en los restos de la gran civilización romana en Pompeya, Herculano u Oplontis. La famosa fábula griega antigua de los pintores Zeuxis y Parrhasius habla de su batalla de habilidades en la pintura de una pieza de naturaleza muerta. Sin embargo, después del surgimiento del cristianismo y la caída del Imperio Romano en el siglo IV d.C., este interesante género fue en gran parte olvidado, para reaparecer en los primeros días del arte renacentista como soporte o decoración de fondo para los elaborados diseños figurativos y religiosos. o escenas mitologicas.
La historia del arte marca una de las primeras composiciones de bodegones en ser “Liebre” de 1502 de Alberto Durero, quien quedó impresionado por Italia, aunque pintó en el estilo del norte. Una de las primeras pinturas que se mantuvo como única composición de bodegones fue definitivamente “Fruit Basket” de Caravaggio, ejecutada en 1599, en la época en que el género estaba ganando mayor aceptación. Sin embargo, no fue hasta el siglo XVII cuando el tema de la naturaleza muerta alcanzó su punto culminante en las elaboradas, filosóficas y magistrales obras de maestros holandeses y flamencos..
El género de la naturaleza muerta comenzó a florecer en el norte de Europa como resultado directo de la Reforma. Al rebelarse contra las políticas del Vaticano, la pintura religiosa en Holanda, Flandes y Alemania comenzó a declinar, por lo que se creó una nueva sala para otros tipos de representación no figurativa. Aunque se rechazó lo ornamentado y lujoso, la pintura al óleo como técnica fue muy favorecida en los países del norte. La situación política y religiosa permitió que la naturaleza muerta se desarrollara más y se convirtiera en uno de los tipos de temas barrocos más profundamente simbólicos, lleno de referencias al cristianismo, las virtudes y la vida propia..
A mediados del siglo XVI nacieron escenas elaboradas de tiendas, que representaban la sociedad artesanal altamente desarrollada de Holanda y Flandes. Algunos de los maestros de esta época fueron Pieter Aertsen y Joachim Beuckelaer. Un tipo especial de naturaleza muerta surgió un poco más tarde. El nombre fue “Vanitas” – vanidad para ser exactos, compuesto con elementos especialmente elegidos para recordar al observador su naturaleza efímera y enfocar su atención en la eterna brevedad de la vida al decir “Memento Mori” – Recuerda la Muerte. La creciente población de puritanos holandeses aceptó felizmente este tipo de pintura, ya que representaba todo en lo que creían, sirviendo como propaganda para una vida virtuosa y modesta. Esta fue la época de los pintores de bodegones más famosos que admiramos hoy: Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf o Jan Davidsz de Heem..
En el sur, la naturaleza muerta no era tan popular, ya que la política de la Contrarreforma dominaba la escena. Uno de los raros ejemplos es la mencionada pieza de Caravaggio, o algunas de las obras adscritas al barroco napolitano en los siglos XVII o XVIII. El pintor español Francisco de Zurbarán aceptó el tema, pero sus interpretaciones del tema fueron significativamente más dramáticas en la iluminación que las elaboradas obras del norte. El género alcanzará su apogeo mucho más tarde en España con la obra de Francisco Goya.
En Francia, sin embargo, la naturaleza muerta se volvió autónoma y deseable quizás solo con Chardin en el siglo XVIII. Jean-Simeon Chardin llevó la naturaleza realista del género a un nuevo nivel, representando composiciones maravillosas y casi tangibles. Le siguió Theodore Gericault en el siglo XIX, aunque la naturaleza muerta no fue la primera elección de este maestro romántico..
Finalmente, en el siglo XIX la naturaleza muerta obtuvo el pleno reconocimiento como género artístico, y a finales de siglo ya no se consideraba menor entre los géneros. Henri Jean Theodore Fantin-Latour fue particularmente famoso por sus bodegones con flores, pero los impresionistas son los que trajeron una nueva era al tema. Paul Cezanne es quizás uno de los pintores más importantes que se refirió mucho a la geometría, sentando así las bases de las teorías cubistas, mientras representa bodegones y paisajes de St. Victoire. Una de las series de bodegones más famosas de este período es la de los girasoles de Vincent Van Gogh..
El siglo XX trajo grandes cambios en el arte y, posteriormente, también en los géneros. Aunque los primeros modernistas emplearon mucho la naturaleza muerta, comenzando con los fauvistas, pasando por los expresionistas alemanes y hasta los cubistas, el tema en sí no tenía mucha importancia. Las más importantes eran las teorías sobre las que se pintó y los estilos que se multiplicaban relativamente rápido. Aún así, artistas como Henri Matisse, Georges Braque, Picasso se expresaron a través de composiciones de bodegones. Especialmente dedicado al tema estuvo Giorgio Morandi, un pintor italiano que retrató objetos sencillos con un estilo lírico único. Tras el nacimiento del arte abstracto, un grupo de modernistas se mantuvo fiel al género de la naturaleza muerta, pero la importancia de los objetos dispuestos nunca volverá a ser la misma que en la época barroca. Una de las composiciones de bodegones más emotivos de la época es una pieza de David Hockney, “Naturaleza muerta en una mesa de cristal”, de 1971, que representa este tema clásico y hermoso de una manera completamente nueva, conservando la naturaleza simbólica del género..
La naturaleza muerta es sin duda uno de los géneros más importantes de la historia del arte. Refleja la historia cultural, así como el dominio de cada artista individual que lo pintó, mientras que hoy en día sigue siendo uno de los temas más esenciales enseñados y ejercitados en varias escuelas de arte en todo el mundo..
